Художественное объединение участники которого утверждали что искусство должно быть свободным

«Уновис», «Зорвед» и МАИ: путеводитель по объединениям художников 1920-х

Кто и зачем собирался вокруг Казимира Малевича, Александра Родченко, Павла Филонова и других художников, определявших направление творческой мысли в одно из самых важных десятилетий в развитии русского искусства

1920-е годы — период, когда в Советской России заявляли о себе и стре­митель­но сменяли друг друга объединения художников. Большая часть организаторов и участников этих объединений училась у старшего поколения новаторов аван­­гардного искусства в московских Высших художественно-технических мастерских (Вхутемас) и петроградском Высшем художественно-техническом институте (Вхутеин); многие были тесно связаны с деятельностью Музея живописной культуры и Государствен­ного института художе­ственной культуры (Гинхук, Петроград).

Если в 1910-х годах молодые бунтари из круга Ларионова, Машкова и Конча­лов­ского, Матю­шина использовали выставку, манифест и диспут как наиболее успешный жест с точки зрения самоутвер­ждения в арти­стическом сообществе (тогда зареги­стрировались только группы «Союз моло­дежи» и «Бубновый валет»), то в 1920-х годах таким жестом стала официальная регистрация объединений художников-единомышлен­ников. Помимо прочего, это позво­ля­ло им получать госу­дарственные заказы (например, на оформление массовых празд­ников), участвовать в государствен­ных выставках, бороться за право влиять на разви­тие советского искусства или просто вписывать свои имена в историю. Программные тексты, или уставы, официально зарегистри­рованных объедине­ний были неотъемле­мой частью их самопрезентации, давали возможность выделить свой коллек­тив среди современников и объяс­нить уникальность группового творческого пути, метода, выбор стилисти­ческой и сюжетной линии.

Все это художествен­ное бурление и кочева­ние из одного объединения в другое закончилось резко — в 1932 году, когда ЦК ВКП(б) выпустил постановление «О перестройке литературно-художе­ствен­ных организаций», согласно кото­рому все объединения художников должны были прекратить существо­вание, а их участники — влиться в единый Союз художников.

«Зорвед»

1923–1932 годы, Петроград–Ленинград

Источник

Творческий винегрет: художественные объединения начала XX века

Художественная жизнь в Российской империи начала XX века отметилась появлением огромного количества творческих объединений. Некоторые возникали и тут же исчезали, другие просуществовали не одно десятилетие. В этом материале мы рассказываем о ключевых союзах дореволюционной России и их ценностях.

В начале XX века в Российской империи существовали десятки творческих объединений — больших и малых, новаторских и консервативных. Мы не берёмся рассказывать вам обо всех и сразу, да в этом и нет смысла: далеко не все группировки оставили заметный след в истории отечественного искусства. Наша задача — познакомить вас со знаковыми союзами эпохи и их философией.

Поздний академизм

Название: Санкт-Петербургское общество художников

Годы существования: 1890—1918

Участники: Лев Лагорио, Арсений Мещерский, Алексей Кившенко, Константин Крыжицкий, Николай Самокиш, Генрих Семирадский, Николай Загорский, Иван Вельц и другие.

Философия: Творчество представителей Санкт-Петербургского общества художников можно назвать поздним академизмом: они были по-прежнему верны традициям классического искусства, но при этом отказывались от жанровой иерархии. Особое место в наследии членов объединения занимает бытовая живопись. Их принципы во многом были созвучны идеям передвижников. Это прослеживается в остром психологизме работ, реализме с оттенком натурализма, трагическом взгляде на действительность. Своими оппонентами художники видели Михаила Врубеля, Валентина Серова, Виктора Борисова-Мусатова, Александра Бенуа.

Эстетика без примесей

Название: «Мир искусства»

Годы существования: 1898—1927

Участники: Александр Бенуа, Сергей Дягилев, Лев Бакст, Иван Билибин, Евгений Лансере, Константин Сомов, Мстислав Добужинский, Николай Рерих и другие.

Источник

«Мир искусства» — художественное объединение ценителей прекрасного

«Мир искусства» — это художественное объединение живописцев России, расцвет его деятельности пришелся на первое десятилетие XX века. Общество возникло на волне протеста против академизма и передвижничества и сплотило молодых художников в их стремлении к полной свободе творчества. Мирискусники первыми сделали шаг в сторону новой культуры, активно пропагандировали передовые взгляды и проложили дорогу авангарду. Объединение на протяжении семи лет выпускало журнал «Мир искусства», который стал первым в России программно-художественным периодическим изданием.

История создания объединения «Мир искусства»

«Мир искусства» появился в 1898 году, главным идеологом сообщества был живописец и искусствовед Александр Бенуа. Художник с начала 1880-х сплотил вокруг себя группу творческой молодежи, которая собиралась в его доме, чтобы поговорить о живописи, театральных постановках, литературе и музыке. Именно тогда у Бенуа впервые появились мысли объединить молодых художников разных стилей и направлений общими эстетическими и идейными принципами.

«Мир искусства» создавался при непосредственном участии Сергея Дягилева, который постоянно бывал на дружеских встречах у Бенуа. Энергичный и предприимчивый театральный деятель был искренне заинтересован в продвижении творчества русских художников на Западе. В январе 1898 года он организовал совместную выставку известных скандинавских и российских живописцев, после которой сообщество сформировалось окончательно.

Дягилев взял на себя поиск меценатов и подготовку журнала к печати, художественную политику издания определял Бенуа. Летом 1898 года критик написал несколько материалов, посвященных истории искусства, где окончательно сформировал главные принципы сообщества:

Оба основателя придерживались концепции эстетизма, которая была разработана английским дизайнером и графиком Уильямом Моррисом (William Morris). Высшим критерием оценки художественной работы объявлялась красота, а источником прекрасного — личность творца, свободного в своем самовыражении. Целью нового объединения стала борьба с отсталостью российской художественной жизни и сближение с передовым западным искусством.

Журнал «Мир искусства»

Технической стороной подготовки журнала «Мир искусства» к выпуску занимался Дягилев — привлекал авторов, редактировал статьи, заказывал оформление и договаривался с издательством. Первый номер увидел свет осенью 1898 года и произвел неизгладимое впечатление как на публику, так и на художников своим содержанием и высоким качеством полиграфии. В дальнейшем журнал выходил с разной периодичностью вплоть до 1904 года и приобрел множество поклонников в творческой среде.

Издание стало площадкой для обсуждения самых животрепещущих проблем интеллектуальной жизни России и Запада, на его страницах публиковались статьи на тему живописи, религии, философии и литературы. Душой журнала оставался Дягилев, который страстно увлекся новым для себя проектом. Он принимал живейшее участие в организации ежегодных выставок мирискусников, где экспонировались работы мастеров живописи Санкт-Петербурга и Москвы.

«Мир искусства»: художники и картины

Участников сообщества «Мир искусства» объединял интерес к ушедшим эпохам и стилям, культ прекрасного, романтизм с налетом иронии. Схожее мировоззрение влияло на выбор сюжетов и мотивов картин, где немаловажное место занимали исторические сценки с налетом театральности. В объединение входили многие выдающиеся русские живописцы, графисты и иллюстраторы.

Александр Бенуа (1870-1960) следовал разработанной им концепции всю свою творческую жизнь. В 1900-е годы он работал над «версальскими» сериями акварелей, посвященными временам правления Людовика XIV. Король и придворные изображены на фоне дворцовых пейзажей, напоминающих театральные декорации.

Валентин Серов (1865-1911) принимал активное участие в работе объединения и даже уговорил Николая II выделить субсидию на издание журнала. Живописец черпал вдохновение в событиях XVIII века, его персонажи отличаются некоторой условностью и подчеркнутой декоративностью.

Евгений Лансере (1875-1946) — художник, график и иллюстратор, увлекался Петровской эпохой. В своих работах, посвященных строительству Петербурга, он создавал живой образ холодного и ветреного города с затянутым тучами небом.

Константин Сомов (1869-1939) строго следовал принципам мирискуснической эстетики, для его работ характерен изысканный стиль, чувственность и театральность. Излюбленными темами художника были любовные сценки на пленэре.

Мария Якунчикова (1870-1902) занималась оформлением журнала и регулярно выставляла свои пейзажи в стиле импрессионистов, где тонкая игра света и тени передавала настроение момента. Много картин художницы посвящено старинным интерьерам.

Лев Бакст (1866-1924) — мастер с разносторонними творческими интересами, известен как театральный декоратор. Принципы мирискусников наиболее ярко прослеживаются в его ироничных иллюстрациях к повести Николая Гоголя «Нос» и акварельных зарисовках старого Петербурга.

Мстислав Добужинский (1875-1946) предпочитал изображать северную столицу без налета романтики. На его пейзажах город предстает мрачным и пустым, а безлюдные улицы и неприглядные доходные дома создают ощущение безысходности.

Анна Остроумова-Лебедева (1871-1955) прославилась своими акварелями с изображениями видов Санкт-Петербурга в необычных колористических решениях. В журнале публиковала гравюры с городскими зимними пейзажами.

С появлением множества новых течений деятельность сообщества начала постепенно угасать. В 1903 прекратились выставки, а год спустя по причине отсутствия финансирования пришлось закрыть журнал. Сначала отделились московские мастера, а затем и часть петербургских живописцев перешла в Союз русских художников. В 1906 году состоялась последняя масштабная выставка при участии Сергея Дягилева, после чего он переключился на свои театральные проекты.

В последующие несколько лет деятельность объединения практически угасла, хотя на бумаге оно продолжало существовать. В 1910 году должность председателя занял Николай Рерих, который возглавил движение по возрождению организации и возобновлению выставочной деятельности. Небольшая часть художников продолжала развивать принципы и идеи старшего поколения мирискусников, но представителям авангардных течений концепция была уже неинтересна. Последняя выставка под эгидой «Мира искусства» прошла во Франции в 1927 году, после чего объединение было официально закрыто.

Портал Very Important Lot приглашает коллекционеров принять участие в тематических аукционах и пополнить свои собрания шедеврами мастеров прошлого. Современное искусство представлено на сайте художников, где можно купить картины, графику и скульптуры напрямую у авторов.

Источник

Художественные объединения и их роль в развитии живописи

«МИР ИСКУССТВА»-на рубеже XIX—XX вв. Основной целью художественного творчества объя­влялась красота, причём красота в субъективном понимании каждого мастера. Такое отношение к зада­чам искусства давало художнику абсолютную свободу в выборе тем, образов и выразительных средств, что для России было достаточно ново и необычно.«Открыл для рус­ской публики фин­скую и скандинавскую живопись, английских художников-прерафаэ­литов и графика Обри Бёрдсли. Отличительной особенностью была многогранность. Они занимались и живописью, и оформлением теат­ральных постановок, и декоративно-прикладным искусством. Однако важнейшее место в их наследии принадлежит графике.Бенуа —иллюстрации к поэме А. С. Пушкина «Медный всадник» (1905—1922 гг.), Сомов, Добужинский.Одной из главных тем для многих мастеров «Мира искусства» стало обращение к прошлому, тоска по утраченному идеальному миру.

«ГОЛУБАЯ РОЗА»Её основные участники — Павел Кузне­цов, Сергей Судейкин, Николай Сапу­нов, Мартирос Сарьян и их объединило глубокое увлечение идеями символизма. погружение в мир тон­чайших, неуловимых чувств, затаён­ных и сложных внутренних ощуще­ний, которые невозможно объяснить словами..

Появление новой модели живописи в конце XIX — начале XX в., которая носит название Серебряного века, было обусловлено глубинными сдвигами в национальном мироощущении и ценностях духовной жизни. Кризис сознания проявился в декадентстве, в стремлении уйти от стереотипов и догм века про­свещения. Изменение основ национальной культуры шло по трем линиям. Во-первых, совершался переход от рационалистической картины мира к попыт­кам понять мир в его неразрывной целостности через соединение знания, веры и чувства. Во-вторых, формировались элементы светской религиозной фило­софии как нового мировоззрения культуры. В-третьих, культура снимала с себя груз «учительства» и активизировала пророческую и созидательную роль ху­дожественного творчества.Изменение мировоззренческих основ на рубеже Х1Х-ХХ вв. соединилось с творческими поисками в области художественного языка. Наиболее полнок­ровный результат перемен выразился в становлении эстетической системы сим­волизма, который стал импульсом обновления всех сфер культуры На рубеже веков русская живопись преодолевала национальные рамки и становилась явлением мирового уровня.Она использовала все богатство ми­ровых и собственных культурных традиций для становления отечественного ва­рианта модерна.

Важными источниками формирования духовной основы Серебряного века была культура провинции и малых городов. Модерн, символизм и авангард выполнили роль своеобразного «мотора», придавшего ускорение духовному развитию нации, буквально «вдвинув» ее в новый XX в. Систему духовной жизни, которая сформировалась и дала необыкновенно богатые плоды в конце XIX — начале XX вв., ча­сто обозначают романтическим термином «Серебряный век». Большинство исследователей относят к Серебряному веку период в 20-25 лет на рубеже Х1Х-ХХ вв Рубеж XIX—XX столетий — переломная эпоха для России. Экономические подъёмы и кризисы, проигранная русско-японская война 1904—1905 гг. и революция 1905—1907 гг., Первая мировая война 1914—1918 гг. и как след­ствие революции в феврале и октябре 1917г., свергшие монархию и власть буржуазии. Но искусство переживали небывалый расцвет.

В 1881 г. для широкой публики распахнулись двери частной картинной галереиизвестного купца и мецената Павла Михайловича Третьякова, в 1892 г. он передал её в дар Москве. В 1898 г. открылся Русский музей императора Александра III в Санкт-Петербурге. В 1912 г. по инициативе исто­рика Ивана Владимировича Цветаева (1847—1913) в Москве начал работу Музей изящных искусств (ныне Государственный Музей изобразительных искусств имени А. С. Пушкина).

Реалисти­ческие традиции передвижников в живописи, их повествовательность и на­зидательный тон уходили в прошлое.Им на смену пришёл стиль модерн. Его легко узнать по гибким, текучим линиям в архитектуре, по символическим и иносказательным образам в скульптуре и живописи, по изощрённым шрифтам и орнаментам в графике.

Состояние душевного дискомфорта ощутила вся культура конца XIX в. «Декаданс».. Отрицая старое, он от­крыл дорогу поиску нового. Прежде всего это касается новых акцентов в системе жизненных ценностей.

В конце XIX в. человек впервые ощутил пугающую силу науки и власть техники, что делало отдельную человеческую жизнь слишком уязвимой и хрупкой. Ответной реакцией стало особое внимание культуры к индивидуальной человеческой душе.Столь резко сменившиеся духовно-нравственные ценности декадентского периода означали начало раскрепощения куль­турного творчества. Серебряный век никогда бы не смог про­явиться таким мощным порывом к новому качеству русской культуры, если бы декадентство ограничилось отрицанием и ниспровержением кумиров.

Возрождение национальных художественных традиций. В самосознании людей конца XIX в. улавливался интерес к про­шлому, прежде всего, к своей собственной истории. В конце XIX — начале XX в. русская икона «вышла» за круг предметов культа и стала рассматриваться как предмет ис­кусства. Собирали, толковали, реставрировали иконы. Икона и весь опыт русской художественной школы ста­ли одним из важных истоков новой культуры Серебряного века.

Движение авангар­дистов началось в 1910 г. с выставки «Бубновый валет». На ней были представлены работы русских художников, аналогичных европейским кубистам. Объединившись, художники устраивали совместные выставки до 1917 г. Ядро «бубнововалетцев» составили П.П. Кончалов-ский, И.И. Машков, А.В. Лентулов, А.В. Куприн, Р.Р. Фальк. Их работы будоражили мысль и чувство, давали иной об­раз мира. Картины акцентировали жадное, материальное ощу­щение мира: интенсивность цвета, густота и небрежность маз­ка, утрированная объемность предметов. Художники были очень разные, но их объединял один принцип — безудержное новаторство. Этот принцип и сформировал новое художествен­ное направление.

Последователь Сезанна, Петр Кончаловский причудливо соединял в картинах живую и неживую материю. Его «Портрет Якулова» — смешение яркого, почти живого интерьера и непод­вижно сидящего человека, похожего на истукана.. Густая энергичная зелень на картинах Р.Р. Фалька из его «Крымской серии» и демонстративная вещественность «Синих слив» И.И. Машкова показывают особую любовь раннего аван­гарда к предметному миру, которая доходила до любования, наслаждения им. В работах интереснейшего художника «Бубнового валета» А.В. Лентулова авангард выходит на грань беспредметного искусства-

«Бунт» авангардистов против «академизма» модерна вызвал их движение к использованию традиций народного прими­тива, особое внимание к «стилю вывески», народного лубка, уличного действа. делали акцент на примитив.; Парадокс авангардизма заключался в том, что в стремлении к; новизне художники использовали традиционные элементы из ;родной культуры: городецкую роспись, яркость майданской де­ревянной посуды, линии хохломы и палеха, икону, народный, лубок, городскую вывеску, рекламу.. Н.С. Гончарова считала очень важным вхождение восточных мо­тивов в русскую культуру и сама работала в этом направлении. Она изобрела название своего стиля: «всёчество» и утвержда­ла, что может написать один и тот же предмет каким угодно стилем. И действительно, ее картины удивительно разнообраз­ны. При своем легендарном трудолюбии на выставке 1913г. она показала 773 картины. Среди них были и примитивистские «Бабы с граблями», и тонкая ретроспекция древнерусского ис­кусства «Иконописные мотивы», и загадочная «Испанка» , и конструктивистский «Аэроплан над поездом». М.И. Цветаева определяла художницу словами «дар и труд». М.В. Ларионов известен как изобретатель «лучизма», сти­ля, который был выходом авангардного искусства за грань пред­метного мира.

Наметилось три преобладающих направления новаторских поисков. Ни одно из них не было завершено, поэтому обозначим их условно.

1. Экспрессионистское направление авангарда делало ак­цент на особую яркость впечатления, экспрессию и де­коративность художественного языка. Наиболее пока­зательна живопись очень «радостного» художника — М.З. Шагала.

2. Путь к беспредметности через кубизм — максимальное выявление объема предмета, его материальной струк­туры. В этой манере писал К. С. Малевич.

3. Выявление линейной конструкции мира, технизация художественных образов. Показательно конструкти­вистское творчество В.В. Кандинского, В.Е. Татлина. у Русский авангард составил отдельную и славную страницу европейской живописи. Направление, которое отвергало про­шлый опыт, сохранило ту же страстность чувств, любовь к

Эта «русскость» проступает даже у самого «европейского» авангардиста Василия Кандинского ,

Беспредметность в развитии живописи отражала нарастав­ший хаос в индивидуальной и национальной самоидентификации. Вызревание национальной идеи оставалось за горизонтом, а ощу­щение несущегося вихревого времени, смешение предметов, чувств, идей, предчувствие катастрофы — в настоящем бытии.Это странное на первый взгляд смешение предметности и ирреальности мира мы видим в наивных картинах М.З. Шага­ла , в жесткой энергетике К.С. Малевича . Заметное влияние на русский авангард 10-20-х гг. оказа­ли увлечение техническими возможностями человечества и ре­волюционный романтизм в предчувствии нового мира. Это был образ наступающего XX в. с его машинной психологией, линей­ной пластикой индустриализма. На выставке с математическим названием «0.10» Малевич выставил поразивший всех «Черный квадрат».

Источник